🥠: 최영

대답하는 사람: 최영, 질문하는 사람: 황재민, 기록하는 사람: 이지우

🥠는 ‘까 봐야 안다’를 슬로건으로 하는 인터뷰 코너다. 인터뷰의 형식을 경유하지만 특별한 목적지는 없기 때문에, 대화의 방향은 그때그때의 포춘(fortune)에 맡긴다.

최영(Yeong Die) 뮤지션. DJ. 비주얼리스트. 우스꽝스럽고도 씁쓸한 것, 무섭지만 끝까지 보고 싶은 것을 만든다. 정규앨범 〈Pizzapi〉(2018), 〈Threshold Value〉(2020)을 발매했고, 2019년부터 음악감상 방식에 대한 실험 〈だいだい 다이다이〉시리즈를 진행해오고 있다. 웹 컨텐츠 《Quarantine Études》(2020), 기획공연 《CENTERS(중심들)》(2020)에 뮤지션과 기획자로 참여했다.

재민 먼저 가장 수상해 보이는 프로젝트로부터 인터뷰를 시작해볼까 한다. 2018년, 〈Background Eraser〉라는 이름으로 지속하던 사진 프로젝트를 아카이브해 『Jonh Berger - Ways of Seeing』 이라는 제목의 책으로 펴냈다. 펭귄북스에서 나온 존 버거(John Berger)의 『다른 방식으로 보기(Ways of Seeing)』를 샘플링해 제목을 붙이고 표지 작업을 한 것이 인상적이었는데, 〈Background Eraser〉 시리즈와 『Jonh Berger - Ways of Seeing』이 어디서부터 출발한 것이며, 어떻게 기획하게 된 것인지 궁금하다.

영 성인이 된 후의 일인데, 유년 시절 사진을 몽땅 폐기처분당한 경험이 있다. 그 이후로 광적으로 셀피를 찍기 시작했다. 우리 세대에게 셀피를 찍는 건 너무 쉬운 일이었고, 그래서 나에겐 셀피가 많았다. 또 한편으로는 밈(Meme)을 모으는데 미쳐 있었다. 사진첩에 셀피부터 고양이 사진과 밈까지, 잡다한 이미지가 넘쳐났지. 그것들을 재료로 시작한 작업이 〈Background Eraser〉 시리즈다. “Background Eraser”라는 무료 어플리케이션의 이름을 작업 제목으로 정한 것이었는데, 처음부터 작업 개념으로 시작한 건 아니다. 단순히 친구들을 웃기는 것이 목적이었다. 최대한 웃기게, 이상하게 사진을 합성해 SNS에 한두 장씩 올리는 것으로 시작했다. 어느날 지인이 ‘그거, 작업 아니었어요?’라고 물었고, 며칠이나 그 말을 곱씹게 됐다. 본격적으로 작업량을 늘리고 인스타그램 계정(@iaaw_)을 만들어 게시하기 시작한 것도 그 무렵이다. 책을 만들게 된 이유는 순전히 해당 년도 언리미티드 에디션에 참가하기 위해서였다. 책 『Jonh Berger - Ways of Seeing』은 〈Background Eraser〉 시리즈 작업 500개를 넘버링하여 모은 책이다.

재민 왜 존 버거였나? 펭귄북스 에디션을 사용한 이유는?

영 좋아하는 책이었고, 내 작업과 엮을 수 있겠다는 생각이 들었다. 이미지와 밈이 미친 듯이 불어나고 있는 지금의 온라인 세계에서, 어떤 이미지라도 내 얼굴을 넣으면 내 걸로 만들 수 있겠다는 생각이 들었다. 책 표지에 내 얼굴을 넣은 것도, 언리미티드 에디션에 이 책이 놓여 있으면 사람들이 진짜 이상하게 보겠다는 생각이 들었기 때문이다. 난 최대한 이상하게 보이고 싶었고, 실제로 재미있는 반응도 많았다. “어, 나 저 책 아는데?” 하고 책을 펼쳐보면 내 얼굴이 있는 거지. 그런데 그 앞에 내가 앉아 있으니까 나랑 책을 번갈아 보고… 작업의 넘버링 작업과 내지 에디팅은 직접 했고, 표지를 무단 카피하는 건 디자이너인 친구가 도와줬다. 저작권 관련한 모든 책임은 내가 지겠다고 말했던 것 같다. 다행히 우려하던 일은 벌어지지 않았지만, 지금 생각하니 용기가 대단하다.

재민 〈Background Eraser〉 시리즈는 셀피에 대한 즐거운 농담인 동시에 뒤틀린 방식의 자기 전시처럼 보이기도 한다. 그렇기에 이 작업은, 이를테면 잘 정리된 포트폴리오처럼 기능하는 인스타그램 피드 같은 것과는 반대편에 위치한 사례처럼 보이기도 했는데, 관련해서 음악가, 혹은 작가에게 인스타그램이라는 SNS의 위상에 관한 생각은 어떠한가.

영 유명세가 돈으로 직결되는 요즘의 시대상이 가장 잘 반영된 하나의 문화 아닐까. 과거로 거슬러 올라가 생각해보면 세이클럽, 싸이월드, 버디버디까지만 해도 지금 같은 분위기는 아니었던 것 같다. 이제 인스타그램의 팔로워수는 대변인처럼 나서서 그를 소개한다. 어떤 컨셉과 무드로 피드를 꾸미는지까지 포함해서 말이지. 나도 팔로워가 더 많아졌으면 좋겠다. 물론 피로감과 허무감도 충분히 느끼고 있다.

재민 그 다음으로 이야기해보고 싶은 프로젝트는 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉(2019)다. 이것은 무척 혼란스러운 매쉬업을 가능케 만드는 일종의 DIY 디제잉 장치처럼 보이는데, 어떻게 시작된 기획인지 설명을 부탁한다.

영 기원(?)을 거슬러 올라가자면 2017년 PERFORM에서 선보인 〈Dizzy Desk(책상정리)〉인 것 같다. 두 명이 나란히 책상을 놓고 앉아 한 명은 데스크탑에 늘어놓은 음원을 하나씩 재생하며 삭제하고, 한 명은 책과 종이조각들을 늘어놓고 읽고 나서 버리는 퍼포먼스였다. 2019년에 퍼폼에서 다시 나를 초대해 주셨을 때, 나는 조금 더 확장된 버전의 〈Dizzy Desk(책상정리)〉로써 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉를 제작했다(다이다이라는 말은 1:1 대결이라는 뜻이 있다). 디제잉의 핵심은 두 곡을 섞고 잇는 것인데, 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉는 이것을 보다 단순화하면서도 직관적으로 체험하도록 만든 작업이다. 과거에 통신장치로 사용되었던 ‘오디오 스위치 박스(Audio Switch Box)’를 구해, 음원을 재생할 수 있도록 개조했다. 소리도 좀 빈티지한 느낌으로 났지. 당시 총 10명의 아티스트가 참여했다. 관객은 2개의 음원을 1차적으로 선택하고, 2차적으로는 30분의 음원을 순간 순간 선택해서 들어야 했다. 이걸 멋있게 포장해서 ‘디제잉과 게임을 접목시켜 또 다른 음악 감상의 방식을 제안한다’고 말하기도 했는데... 생각해보면 나는 사람들을 혼란스럽게 만들고 싶었던 것 같다. 어떻게든 내가 매료된 디제잉의 맛을 사람들이 알았으면 하는 마음도 있었고. 두 곡을 한번에 재생해 듣는 것은 일반적으로는 행해지지 않는 음악 감상 방식이기 때문에.

재민 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉의 라인업에는 이윤호, 한진, 허현정, 헤테로포니 등 음악가가 아닌 사람들도 있었다. 이들을 프로젝트에 포함시키게 된 경위를 물어보고 싶다.

영 내가 그들의 개인 작업을 좋아했고 그들이 음악적으로 어떤 작업물을 내놓을지 궁금했기 때문이다. 그들이 음악에 조예가 없다고는 생각하지 않았다. 나는 모두의 음원이 정말 멋지다고 생각하지만, 특히나 음악인이 아닌 분들의 음원은 보다 특별했고 빛났다. 당시 관람해 준 분들께 다시 한번 감사 인사와 하이파이브를 전한다.

재민 〈だいだい 다이다이 vol. 2〉가 문화비축기지 《2020 글로벌 위크》에서 공개된 것으로 안다. 그리고 라인업은 놀랍게도 클로드 드뷔시(Claude-Achille Debussy)와 Yeong Die였는데, 여러 작업자들이 참여한 것에서 왜 두 명으로 축소했는지, 그리고 드뷔시라는 역사적 대상이 어떻게 소환된 것인지 궁금하다.

영 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉에서도 두 채널이라는 점은 동일했다. 다만 선택과정을 축소한 것이다(10트랙 중에 2개를 고르는 과정을 삭제한 것). 주변의 디제이 몇을 후보로 두고 오래 고민했다. 그러다 나온 것이 내가 또 한편 좋아하는 사람, 드뷔시였다. 〈だいだい 다이다이 vol. 2〉는 저작권이 만료된 드뷔시의 레코딩 5곡과 내가 만든 5곡을 동시재생하여, 관객은 어느 때라도 와서 헤드폰만 착용하면 바로 그 중 하나를 들을 수 있었다. 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉과 마찬가지로 기기의 노브를 돌리면 반대편의 음악을 들을 수 있고.

재민 2020년 CLIPP.ART 레이블을 통해 두 번째 앨범 〈Threshold Value〉를 발매했다. 그 뒤 3D 아티스트 을지로김과 협업해 두 편의 뮤직비디오를 제작했는데, 이 협업은 어떻게 시작된 것인가?

영 몇 번 인사만 나눈 사이였는데, 무작정 연락해 뮤직비디오를 의뢰하고 싶다고 했다. 돈은 어떻게든 만들어오겠다고 했다. 그런 허술한 제안에 감사하게도 응해준 사람이 을지로김이었다. 지금은 무척 바쁠 텐데, 다행히 좋은 타이밍에 내가 부탁을 했던 것 같다. 뮤직비디오 작업을 시작하면서 잦은 미팅을 하며 무수한 레퍼런스를 나누었는데, 미감이 굉장히 비슷하다고 느껴져서 즐거웠다. 《Quarantine Études》를 구상하며 그를 또 한 번 떠올린 것은 아주 자연스러운 일이었다. 추구하는 미감 부분에서도 공감대 형성이 된 상태였기 때문에 새로운 것을 함께 구현해보고 싶다는 욕심이 (이미) 있었다. 을지로김이 다른 인터뷰에서 ‘어느새 우리의 미감은 거의 동기화되어 있었다’고 말했는데, 정말로 그랬다. 뮤직비디오와 《Quarantine Études》 둘 다 정말 즐겁게 작업하고 결과물도 만족스러웠다. 그가 없었다면 불가능했을 작업들이다. 감사하게 생각한다.

재민 《Quarantine Études》는 앞서 이야기했듯, 3D 아티스트 을지로김, 그리고 개발자 박성천과 함께 협업한 프로젝트로 알고 있다. 기획이 어떻게 시작되었는지, 그리고 무엇을 하려고 했던 것인지 간단하게 설명해 준다면.

영 《Quarantine Études》는 공연장에 갈 수 없는 상황을 역으로 이용한 작업이다. 사실 내가 공연장에 자주 가는 사람은 아니었는데, 코로나가 시작되고 나니 간사하게도 공연장에 너무나도 가고 싶은 사람이 되어 있었다. 내가 돈을 주고 구매한 내 자리, 공연을 보며 잠깐씩 조는 즐거움, 일면식도 없는 이들과 한마음으로 박수를 치는 일, 공연장의 공간감, 음악이 시작되기 전의 긴장감 같은 것들이 너무나도 그리웠다. 《Quarantine Études》는 이러한 감각들로부터 출발한 기획이다. 나는 실제의 공연장 상황과 비슷하면서도 아주 이상한 그림을 원했다. 나는 3D 아티스트와 개발자에게 최대한 큰 공연장을 주문하며, 그 바깥은 설산이었으면 좋겠다고 말했다. 거기에 연주자가 아닌 관객 한 사람씩만 들어가게 하자고 했다. 그 안에선 무엇이든 할 수 있다는 컨셉을 잡았다. 뛰거나 달리고, 점프를 해도 되고 과자를 먹거나 시끄럽게 떠들어도 된다는 것이다. 모든 게 말도 안 되지. 단 하나의 조건, 공연의 실제성을 반영한 것은 공연장이 매일밤 10시부터 12시까지만 열리도록 한 것이다. 나머지 시간에는 공연장은 닫혔다. 한편, 공연장 안에서 떠들 수 있다는 컨셉을 확장시켜, 인스타그램 필터를 만들기도 했다. 목소리에 리버브를 넣어서, 공연장 안에서 소리가 울리게 하는…

재민 최대한 크게 만들어달라고 요청했다는 점이 재미있다. 크게 만드는 것에 어떤 기술적 어려움이 있었나?

영 크게 만들면 아무래도 디테일이 많아지지 않겠나. 그리고 이 프로젝트가 프로그램을 다운로드 받아 컴퓨터에 설치하는 게 아니라 웹상에 띄우는 거라 한계점이 분명히 있었다. 공연장이 닫힌 시간에는 공연장 바깥 설산을 돌아다니게 하자는 아이디어도 나왔었는데, 서버와 프로그램이 무거워지는 문제 때문에 그렇게까지는 실현하지 못했다. 세 명이서 이 정도를 했다는 것도 대단하다고 생각한다. 팀워크가 좋았다.

재민 《Quarantine Études》이 구현한 3D 공간은 무척 흥미로웠다. 마치 어디선가 본 것 같은 전형적인 오페라 극장이었지만, 무대에는 피아노가 산산조각 난 채 떠있고 참여자는 극장 이곳 저곳을 직접 돌아다니며 음악을 찾아 들어야만 했다. 이처럼 무대와 객석이 뒤바뀐 구조에선 전형적이고 형식적인 음악 공간에 대한 애정과 혐오가 동시에 느껴지기도 했는데, 이 공간 구성은 어디서 아이디어를 얻었을까? 디지털 공간이라는 특성은 어느 정도나 반영되었다고 생각하나?

영 디지털 공간이니까 가능했다는 점은 확실하다. 모든 게 말도 안 됐다. 공연 시간이 정해져있다는 한 가지 조건만 뺴면 말이다. 그래서 우리는 조금 더 공연장스러운 느낌을 위해 비어 있던 무대 위에 악기를 하나 올리기로 했고, 나는 망설임 없이 피아노를 떠올리고 그것을 부숴줄 수 있냐고 물었다(을지로김은 놀라지도 않았다). 그가 몇 가지 부숨 옵션을 나에게 제시했고, 나의 추상적인 의견을 더해 최종 버전이 나왔다. 음악 공간에 대한 애정과 혐오라기보다는... 공연장에 갈 수 없는 불만을 원없이 터뜨려보고자 했던 것 같다. 그 큰 공연장에 혼자 있어보는 경험이 공연장 관계자가 아니고서야 가능하겠는가? 관계자는 가능한가? 또, 피아노는 어떻게 부서진 채 공중에 떠 있는가? 어떻게 그 지독한 설산 동네에 공연장이 있겠는가? 어떻게 관객석에 스포트라이트가 비춰질 일이 있겠는가? 웹콘텐츠였기 때문에 이 모든 게 가능했다.

재민 관객석에 스포트라이트가 나온다는 점도 재미있는 요소라고 생각했다. 그건 어떻게 생각하게 된 건가?

영 (음악이 나오는 지점을 가리키는) 여러 가지 옵션을 놓고 고민했었다. 에반게리온에 나오는 비석 형태나 아티스트와 관련된 물건을 3D화해서 놓자는 아이디어도 나왔었지만 가장 클래식하고, 공연장에 있음직한 요소이면서도 텅 빈 느낌에 방해가 되지 않는다는 점에서 스포트라이트를 선택하게 됐다.

재민 《Quarantine Études》를 구상하며, 시각과 청각 사이의 중간 지점에 대해 생각하는 일이 꽤 어려웠을 것처럼 느껴진다. 극장 공간을 둘러보다가 음악은 듣지 못하고 나가는 사람들이 있을 것 같다는 생각도 들었고. 시각과 청각을 고루 사용하는 게임의 경험과 비슷하다고 생각한다.

영 〈だいだい 다이다이 vol. 1〉 에서 디제잉과 게임의 조작방식을 사용했다고 말했는데, 《Quarantine Études》는 게임의 방식을 조금 더 적극적으로 가져온 작업이다. 게임은 시각과 청각을 모두 적극적으로 사용해야만 충분히 즐길 수 있는 컨텐츠다. 흥미로운 것은 공연도 마찬가지라는 데에 있다. 그러니까 시각과 청각 둘 중 한쪽에 치우치는 것을 바라진 않았다. 웹컨텐츠가 관객에게 중도포기당하는 것은 너무 쉽고 또 흔한 일이 되었다. 요소 하나하나가 포기당할 걱정을 시작하니 아무것도 결정할 수 없겠다는 생각이 들었다. 밀어붙여야 한다고 생각했다.

재민 기획 과정에서 포기 당하는 것에 대한 걱정이 있었나?

영 의외의 면에서 완전히 있었다. 게임의 조작 방식이 모두에게 익숙하지 않다는 사실을 우리 팀원들은 전혀 인식하지 못하고 작업을 진행해왔던 것이다. 완성 직전, 몇 명의 지인들에게 베타 테스트를 요청, 피드백을 받은 뒤 팀원 모두가 충격을 받았다. 어느 선까지 도움말과 설명을 보여줄 지 많이 고민했다. 또, 개발 과정에서 사파리에서는 특정 요소들이 기능하지 않는다는 문제를 발견하기도 했고... 크롬을 권장한다는 안내문을 넣긴 했지만, 아쉬움은 남았다.

재민 웹에서 호환성의 문제는 항상 일어나는 것 같다. 혹시 프로그램을 설치하는 방식을 생각해보진 않았나?

영 파일을 다운로드 받고 설치하는 과정을 사람들이 귀찮아할 거라고 생각했다. 아니, 내가 그럴 것 같아서 피하고 싶었다. 산뜻하고 아쉬워서 자꾸 들어가보고 싶도록 웹에 띄우고 싶었다.

재민 개인적으로 기획에서 흥미로웠던 장치가 있는데, 바로 악보였다. 기획에 참여한 음악가들이 각자의 방식으로 악보를 제작한 것이 인상 깊었는데, 작업에서 어째서 악보가 필요했던 것인지 이야기해줄 수 있을까?

영 악보는 기획 초기 단계에서부터 머릿속에 있었다. 자가 격리의 시간을 보내는 연습곡을 만든다고 했을 때 음악가들의 생각과 작업 과정을 효과적으로 읽을 수 있고, 또 일목요연하게 보여줄 수 있는 방법이 악보라고 판단했다. 그래서 음악가를 섭외할 때부터 ‘수기 악보’를 만들어야 한다는 조건을 함께 제안했다. 또 한 가지 고려한 점이 있다면, 이미 악보에 익숙한 사람들을 섭외하고자 했다. 따라 연주를 할 수 있는 관념적인 악보보다는, 악보의 규범을 넘어서는 어떤 것을 바랐기 때문이다. 그리고 일반적인 공연에서 뮤지션이 자신의 악보를 공개하지는 않는다. 그래서 공개하고 싶었던 것도 있다.

재민 2020년 기획한 또 하나의 웹 프로젝트, 《CENTERS(중심들)》는 《Quarantine Études》와 비교할 때 조금 더 공연에 가까웠던 것 같다. 《CENTERS(중심들)》는 어떻게 시작된 기획이었는지 설명해줄 수 있을까?

영 《CENTERS(중심들)》는 실제로 공연을 해야만 한다는 조건이 있었다. 그런데 실제 공연을 만든다는 것이 너무 부담스러워서 사업을 포기하려는 생각을 수없이 했다. 포기하지 않도록 격려해준 친구들과 공연을 함께 만들어준 친구들에게 감사의 말을 전하고 싶다. 《CENTERS(중심들)》역시 정말 최고의 팀이었거든. 지금 생각해보니 코로나 상황 속에서 공연을 만들어야 한다는 조건이 나를 이 프로젝트에 진심으로 임하게끔 만든 것 같다. 나는 내가 보고 싶은 공연을 만들기로 결심했고, 여성/퀴어 뮤지션이 중심이 되는 공연을 만들었다. 오래도록 사람들의 기억 속에 남고, 유튜브에 떠도는 짧은 옛날 재즈 뮤지션들의 영상처럼, 먼 훗날 알 수 없는 경로로 유출되어 떠도는 유명한 공연 클립 같은 게 되기를 바랐다. 구획을 짜거나 영상을 찍을 때 이런 부분을 염두에 두었고, 실제로 공연 영상을 흑백으로 편집하기도 했다.

재민 미리 공연을 촬영하고 스트리밍을 했다고 알고 있다. 왜 라이브 스트리밍이 아니라 녹화를 했는지 궁금하다.

영 고민을 많이 했는데, 그때만 해도 라이브 스트리밍에서 기술적인 사고가 정말 많았다. 렉이 걸리거나 소리가 이상하게 나오거나 아예 안 나오거나. 그래서 가장 안전한 방법을 택했다.

재민 《Quarantine Études》와 《CENTERS(중심들)》는 둘 다 음악, 혹은 청각적인 것을 매체 삼았던 웹 프로젝트였다. 하지만 서로 전혀 다른 종류의 프로젝트처럼 느껴지기도 한다. 《Quarantine Etude》가 관객에게 움직일 것을 요구하며 음악은 같은 자리에 가만히 있는다면, 《CENTERS(중심들)》는 반대로 관객이 가만히 있을 것을(최소한 스크린을 볼 수 있을 정도로는 멈춰 있을 것을) 요구하며 음악가는 움직인다. 그렇기에, 만일 둘 중 하나를 골라 발전시켜야 한다면 어떤 프로젝트를 선택할지 궁금하다.

영 첫째 딸이 예쁜가 둘째 아들이 예쁜가 같은 질문 아닌가. 둘 다 너무 아끼는 작업이다. 어떤 작업에 관해서든 관객은 관객이 즐기고 싶은 대로, 해석하고 싶은 대로 해석할 권리가 있다고 본다. 다만 나는 최근에 코로나 때문에 공연을 하고 싶어도 못 하는 상황에 처해 있기 때문에, 가능하다면 《CENTERS(중심들)》처럼 음악가가 움직이는 공연을 많이 하고 싶다. 그런데 《Quarantine Études》처럼 관객도 같이 움직여주면 더 즐거울 것 같고.

재민 그런데 온라인에서 기획을 하게 되면, 온라인 환경이 기획의 구성 자체에도 영향을 많이 미쳤을 것 같다. 그런 만큼 온라인에서도 의미 있는 기획으로 만들기 위해 신경을 많이 썼을 것 같은데.

영 모든 것은 온라인 환경에 맞추어 기획되었다. 예상 사용자군 컴퓨터 환경의 중간값을 찾는 데에도 고민을 했을 정도이니. 하지만 모든 것이 온라인에 맞추어져서는 재미도, 의미도 없을 것이라 생각했던 것 같다. 《Quarantine Études》에서 공연장이 열리는 시각과 닫히는 시각을 설정한 것이 그 적절한 예다. 공연의 실제 성질을 적절히 반영하려는 시도는 유의미했다고 본다.

재민 혹시 기회가 있다면 미술 공간에서 개인전을 하고 싶은 생각도 있는지? 만약 하게 된다면, 어떤 프로젝트를 하게 될 것 같은가?

영 넓은 공간을 쓰고 싶다. 외국 어드메에 꾸린 작업실이라는 컨셉으로, 내가 작업에 사용하고 있거나 사용했었거나 앞으로 사용할 것들을 모조리 다 가져다 놓고… 마치 죽은 사람의 개인전이나 죽은 사람의 작업실처럼, 나만 쏙 빠져 있는 그런 전시를 하고 싶다. 여러가지 방면으로 활동하다 보니, 실제로 작업실을 갖게 된다면 굉장히 볼만한 그림이 나올 것 같거든. 전시 제목은 그 공간의 주소로 하는 것이 어떨지.

재민 영 님이 abs에게 질문을 주신 게 있는데, 이 질문에 우리가 대답하고 마무리하면 될 것 같다. 첫 번째 질문은, 왜 섭외를 했는지 궁금하다는 내용이었다.

여명 인터뷰 섭외를 제안한 것은 나다. 《Quarantine Études》와 《CENTERS(중심들)》를 모두 봤다. 원래 공연이나 음악씬에 관심이 있는 사람은 아니었지만 요즘 점점 사운드 작업을 하는 사람이 많아지고, 사운드가 점점 더 중요해지는 것 같아서 직업적으로 관심을 가져야겠다는 생각을 가진 와중에 인상 깊게 보았다. 두 개 모두를 관람하면서 기획자에게 관심이 갔다. 결과물이 관객에게 어떻게 보여질지 하는 문제를 신경 쓴 결과라는 생각이 들었었고, 오프라인 공연과 온라인 공연 사이에 있는 차이를 아주 의식적으로는 아니더라도 신경 쓰고 있다는 생각이 들었다. 특히 《Quarantine Études》에서 악보가 있다는 점이 좋았다. 악보와 음악의 관계는 코드와 최종 웹 페이지의 관계와 공명하는 측면이 있다. 웹 페이지의 경우, 코딩을 해서 만드는 것이기 때문에 소스 보기를 누르면 내가 보고 있는 인터페이스와는 전혀 다른 웹 페이지의 소스 코드가 나온다. 그게 웹 페이지의 스코어라고 생각하는데, 악보라는, 음악이 만들어진 구조를 보여주는 것이 소스와 웹 페이지라는 구조와 비슷한다. 또 요즘 진행 중인 컴퓨터 뮤직 클럽(Computer Music Club)에 대해서도 설명을 듣고 싶었고. 이 정도면 대답이 되었을 거라고 생각하고, 영 님이 인상깊게 본 온라인 실천은 무엇이 있었는지 궁금하다.

영 컴퓨터 뮤직 클럽은 《Quarantine Études》 등의 기금 사업들이 마무리 되고, 정산을 하며 지쳐있던 무렵에 결성됐다. 듀오 살라만다(Salamanda)와 친분이 있는데, 우리는 파티와 공연이 눈에 띄게 줄어든 상황과 세태에 우울감을 느끼고 있었다. 그러다가 자연스럽게 뭔가 해보자, 그런데 좀 신나는 걸 해보자는 이야기가 나왔다. 일단 이름부터 대국적으로 지었다. 그리고 스스로를, 우리를 괴롭혀보자 싶어서 매달 한 곡씩 발표, 마스터링과 커버까지 직접 소화하며 활동을 시작했지. 지금은 잠시 휴식기에 있다. 생각보다 반응이 좋았고, 관심도 많이 받아서 다가올 6월에도 행사가 있을 예정이다. 정리하자면... 씬의 침체를 뚫어보자는 의미의 파이팅해보자는 프로젝트다. 다들 너무 재미있게 임하고 있어서, 더 이상 할 수 없을 때까지는 하지 않을까 싶다. 각자 자기들의 ‘본진’과 다른 음악을 한다는 점에서도 의미가 있고. 인상 깊게 봤던 작업은... 사실 내 작업을 다시 보고 싶다. 《Quarantine Études》도 서버에서 내려 버렸고, 《CENTERS(중심들)》 영상도 하이라이트 영상만 올려둔 채로 풀 영상은 내린 상황이다. 그 당시엔 몇 개월 동안 작업을 계속하며 반복적으로 본 상황이라, 막상 오픈 후에는 많이 들어가보지 못했다. 언젠가 기회가 되면 다시 한번 공연장을 열어보고 싶다.

여명 《Quarantine Études》, 《CENTERS(중심들)》, 컴퓨터 뮤직 클럽 등, 세 가지 프로젝트를 온라인으로 진행했다. 기획을 진행하면서 오프라인과의 차이점을 많이 느꼈을 것 같은데, 오프라인 기획과 온라인 기획 사이에서 느낀 차이점이 무엇이 있을지 궁금하다.

영 사실 나를 기획자라고 소개하기는 정말 부끄럽다. 오프라인에서 무언가를 기획해본 경험이 거의 없다. 다만 상황과 조건에 맞추어 최소한 내 성에는 차도록 노력한다. 개인적으로 온, 오프라인 기획의 차이점이라면, 중도 하차하는 관객에 대한 부분 아닐까. 온라인 콘텐츠는 중도하차가 너무 쉬워서...

여명 최근 온라인 기획의 비중이 늘어나고 있지만, 온라인 기획이 오프라인 기획의 대체재로만 소비되는 것처럼 보여 아쉽기도 하다. 그래서 기획을 하면서 느낀 온라인 만의 즐거움이 있다면 무엇인지 궁금한데, 대답해줄 수 있을까?

영 상상력을 실현시킬 수 있다는 점에서 충분히 즐거웠다고 답할 수 있겠다. 유망한 작업자들과 함께 망상의 구덩이 속으로 빠져드는 것은 힘들고도 즐거운 일이다. 다만 해도해도 끝이 나지 않는 수정본의 수정본의 수정본의 수정본... 온라인 콘텐츠 기획은 그런 일 같다.

재민 영 님이 주신 또 다른 질문은, 각자가 생각하는 가장 탁월한 작업이 무엇이며, 그 이유는 무엇인지에 대해 궁금하다는 내용이었다. 간단히 대답하자면, 나는 〈だいだい 다이다이〉 시리즈라고 생각한다. 여러 맥락을 고려했을 때 나에겐 가장 흥미로운 작업이었다. 앞에서 DIY 디제잉 장치라는 말을 했었는데, 레디메이드 기계를 사다가 해킹해서 음악을 혼선시키는 장치를 만들었다는 점도 재미있는 것 같고, 디제잉을 디제잉한다는 느낌도 있는 동시에, 큐레이터로서의 디제이와 같은 모델을 상기시키는 지점도 있어서 되게 재미있는 작업이었던 것 같다. 시각 공간에서 청각적인 것이 작동할 때, 흔히 그들의 지지체로 기계를 갖는 경우가 있다. 그런 맥락과도 연결시킬 수 있는 부분이 있는 듯해, 〈だいだい 다이다이〉 시리즈를 꼽고 싶다.

영 〈だいだい 다이다이〉를 짚어주시다니 기쁘다.

재민 혹시 영 님이 보기에 음악적인 것과 다른 것을 결합시키거나 확장하려고 하는 시도를 하는 예술가들이 있다면 꼽아줄 수 있을까?

영 바로 생각나는 건 업체(eobchae)다.

재민 마지막으로 홍보를 할 수 있는 기회를 드리겠다.

영 올해 예정된 릴리즈가 많다. 일단 6월 4일 열리는 김민희 작가의 개인전에 음악으로 참여한다. 전시를 위한 40분짜리 앨범을 만들었고, 테이프로 발매된다. 그리고 정규앨범과 EP가 연달아 나올 것 같다. 컴퓨터 뮤직 클럽도 여름쯤 복귀를 하지 않을까...

재민 긴 시간 내주셔서 감사하다.